Por que “The Cost of Escape” de Paul Hennessy ressoa

Numa era definida por singles, fragmentos e deslocamentos sem fim, Paul Hennessy fez algo radicalmente paciente: confiou abundantemente nos ouvintes.

O custo da fuga veio de uma só vez, doze álbuns – 144 músicas – e ao fazê-lo, desafiou silenciosamente suposições sobre como o público moderno se relaciona com a música. Em vez de pedir atenção constante, o projeto oferece permissão. “Não tenho um jeito favorito”, diz Hennessy. “Isso é intencional.”

A obra pode ser inserida em qualquer lugar. Uma música em quatro minutos, um álbum em uma hora ou a varredura completa, vivenciada lentamente ao longo de semanas ou meses. Hennessy compara isso a estar à beira do oceano. “Algumas pessoas vão colocar o dedo do pé. Outras vão deixar que as correntes as carreguem por um tempo. Deixo essa escolha inteiramente para o ouvinte.”

O que chama a atenção é que os ouvintes optam por ficar. O âmbito do projecto não cresceu através do espectáculo, mas através de um envolvimento sustentado. As músicas estão sendo salvas, revisadas e vividas. “Esse tipo de compromisso diz algo diferente do que aplausos”, observa Hennessy. “Ele diz que isso era importante o suficiente para ficar por aqui.”

Esta resposta reflete o propósito mais profundo por trás da escala. Hennessy não estava tentando fugir da atenção. Eu estava reconhecendo como a narrativa evoluiu. Temporadas inteiras de televisão se interligam e o mundo se move com fluidez entre narrativas curtas e longas. “Não vejo isso como uma falha”, diz ele. “Eu vejo isso como uma realidade.”

O custo da fuga foi projetado para existir dentro desta realidade. Funciona tanto como momentos individuais quanto como um arco estendido, com temas que se desenvolvem gradativamente. Liberdade, para Hennessy, não é escolher entre formatos. “É confiar que o trabalho aguenta qualquer distância”, explica. “Mais perto ou mais longe, ainda tem que significar alguma coisa.”

Essa confiança está enraizada na disciplina. A parte mais difícil da criação do projeto não foi a vulnerabilidade emocional, mas a consistência. “O verdadeiro desafio não foi ser honesto”, diz ele. “Nunca se tratou de sacrificar o trabalho em si.” Cada música teve que ganhar seu próprio tempo. Os ganchos eram importantes e as ideias tinham que pousar. Se um pensamento não fosse verdadeiro, era descartado e reescrito.

Esse rigor é demonstrado nos detalhes. Em À prova de balasuma única linha capta a contradição emocional: “Se meu amor é à prova de balas, por que tenho medo?” Em Uma vida maior e melhoro carinho é oferecido sem posse: “Vou te beijar e te desejar uma vida ampla e melhor.” Outras músicas, com a vidaleva a experiência à repetição e ao peso, tornando a rotina difícil. Ouvintes diferentes gravitam em torno de tópicos diferentes, que Hennessy considera essenciais. “Isso não é uma falha do projeto”, diz ele. “Esse é o ponto.”