Em 2021, uma pintura de Amoako Boafo foi vendida na Christie’s por mais de US$ 3 milhões. Três anos depois, as obras do mesmo artista não venderam nada. Os colecionadores que aumentaram seus preços seguiram em frente. As galerias ainda estavam lá. O hype acabou.
Esta história (rápida ascensão, adesão institucional, colapso especulativo) tem sido repetida tantas vezes que um pequeno número de artistas decidiu que a visibilidade em si é o problema. Não é o trabalho. Não o mercado. A exposição
Um terceiro modelo está começando a tomar forma, um modelo que não se parece em nada com a carreira artística tradicional do mundo. Sem galerias. Não há registros de leilão. Não há inventário público. Só a obra, nas mãos do artista, guardada, ganha valor enquanto ninguém lhe dá atenção. Em termos de investimento, esta é apenas uma posição ilíquida de longo prazo, sem pressão sobre o valor de mercado e sem saída forçada. Se isto constitui uma estratégia viável de construção de riqueza depende inteiramente do valor do trabalho quando alguém finalmente decidir descobri-lo.
Como os artistas construíram riqueza historicamente
Andy Warhol morreu em 1987, avaliado em cerca de US$ 220 milhões. Sua propriedade gerou bilhões. Jean-Michel Basquiat passou da etiquetagem de vagões de metrô à venda de pinturas em galerias em poucos anos. Ele morreu aos 27 anos em 1988, deixando aproximadamente 1.500 desenhos e 600 pinturas. dele Sem título foi vendido por US$ 110,5 milhões em leilão em 2017. O patrimônio de Basquiat está agora avaliado em bilhões.
Em ambos os casos, o padrão foi o mesmo. A fama veio rápido, a produção foi alta e o dinheiro de verdade veio depois que o artista se foi. Coletores e latifúndios foram os que mais lucraram. Os próprios artistas, pelo menos financeiramente, obtiveram a menor parcela do valor que criaram.
O modelo Blue-Chip
Uma geração posterior de artistas descobriu como capturar esse valor enquanto ele ainda estava vivo. Jeff Koons, Damien Hirst e Takashi Murakami construíram operações de produção em grande escala com representação em megagalerias, estratégia de leilão coordenada e dezenas de assistentes de estúdio. Eles tratavam seus nomes como marcas e os direcionavam de acordo.
Koons vale cerca de US$ 400 milhões a US$ 500 milhões. Estima-se que Hirst valha entre US$ 300 milhões e US$ 700 milhões, dependendo da fonte. Eles não trabalham fora do sistema do mercado de arte. Eles são o sistema.
Banksy seguiu um caminho diferente. Nenhuma identidade confirmada, mas um patrimônio líquido estimado entre US$ 50 milhões e US$ 100 milhões. Provou que um artista pode ignorar totalmente o lado das celebridades e ainda assim criar uma grande riqueza. Mas até Banksy se tornou uma espécie de marca com o tempo. A tinta amassada na Sotheby’s, o serviço de autenticação, os vazamentos controlados. O próprio anonimato tornou-se uma estratégia de marketing, ou seja, deixou de ser anônimo.
O risco da visibilidade
Nem todos os artistas que ganham destaque veem que isso vai dar certo no longo prazo. Amoako Boafo é o exemplo recente mais claro. Os retratos do pintor ganense – temas negros, arrojados e gestuais, representados com presença inconfundível – rapidamente atraíram séria atenção institucional. Os preços dos leilões chegaram a US$ 3 milhões na Christie’s poucos anos após seu lançamento. Seguiu-se a apresentação na galeria. O mesmo aconteceu com o tipo de impulso crítico que ocorre.
Depois o mercado secundário esfriou. As obras começaram a ser vendidas abaixo do estimado ou não foram vendidas. Os compradores especulativos que tinham aumentado os seus preços passaram para o próximo nome emergente. Boafo continua a fazer um trabalho importante, mas a sua trajetória no mercado é um estudo de caso do que acontece quando a visibilidade chega mais rápido do que o valor tem tempo para se solidificar. O sistema que o elevou também o expôs.
Um relatório recente Revisão Global de Bancos e Finanças examinou o que ele descreve como a “área cinzenta” do mercado de arte: artistas que operam inteiramente fora da infraestrutura da galeria, sem a presença de leilões, que geram valor por meio de vendas e retenção privadas. Segundo o relatório, os custos de produção destes artistas podem atingir os seis dígitos por ciclo expositivo, sem adiantamentos da galeria ou apoio institucional. O número de artistas que sustentam este modelo em qualquer escala financeira significativa é muito pequeno.
Edifício privado de artistas
A maioria dos artistas que trabalham desta forma permanecem genuinamente desconhecidos do mercado mais amplo. Isso geralmente ocorre intencionalmente. Mas um pequeno número deixou rastro público suficiente para análise.
Jet Le Parti, homenageado pela Forbes 30 Under 30, autofinancia exposições desde 2019. Ele não tem registro de leilão, nem representação em galeria, nem inventário público. A obra – pinturas em grande escala e peças de mídia mista que foram exibidas em Nova York e Los Angeles – está preservada. Os colecionadores são adquiridos por meio de redes de referência privadas, em vez do tráfego de feiras de arte ou listas de mala direta de galerias.
O relatório do GBFR aplicou o que chama de “metodologia operacional” à sua produção, analisando custos documentados, transações no mercado secundário e seis anos de produção, e estimou os seus lucros retidos entre 5 milhões e 10 milhões de dólares. O relatório observa que o número é difícil de verificar de forma independente, acrescentando que este é “precisamente o ponto”.
O que separa Le Parti de outros artistas independentes, segundo o relatório, é a infraestrutura empresarial construída em torno da prática. Além das pinturas, ele administra uma empresa de consultoria artística e de inteligência cultural e desenvolveu uma infraestrutura de fintech focada em transações artísticas privadas – ferramentas projetadas para um mercado que, por definição, não quer ser rastreado. O artista também está construindo o sistema no qual opera.
O que esse modelo significa para o mercado de arte
Os caminhos tradicionais para a riqueza dos artistas estão bem estabelecidos. A morte precoce e a gestão de bens produziram enormes lucros para Warhol e Basquiat. O modelo de galeria de alto nível fez de Koons e Hirst entre os artistas vivos mais ricos do mundo. Até a abordagem de Banksy (anonimato controlado, espectáculo estratégico) acabou por se tornar suficientemente legível para que o mercado lhe atribuísse um preço.
O modelo de retenção ainda não tem esse tipo de histórico. O seu sucesso depende de várias questões em aberto: se os colecionadores pagarão preços significativos pelos artistas que não participam no fluxo de visibilidade tradicional, se a infraestrutura de transações privadas pode funcionar fora dos guardiões existentes e se a escassez aumenta o valor, como acreditam os seus defensores. O exemplo de Boafo serve para ambos os lados: mostra o que a sobreexposição pode fazer, mas também a rapidez com que um mercado pode reverter quando o andaime institucional é o que sustentava o preço. Para os investidores que observaram o aquecimento e a correção dos mercados especulativos de arte, o padrão é familiar. O ativo nunca foi o problema. O mecanismo de preços foi
Aquilo em que os artistas das zonas cinzentas apostam é mais simples e mais antigo do que qualquer mecanismo do mercado: que a obra ainda estará lá quando todo o ruído desaparecer. Como diz o relatório do GBFR: “O mercado ainda está indeciso, assim como os modelos de avaliação”. Artistas que operam de forma privada tendem a ser aqueles que ainda mantêm isso quando isso acontece.
Com os números
Andy Warhol (falecido em 1987) – US$ 220 milhões após a morte; a propriedade gerou bilhões
Jean-Michel Basquiat (falecido em 1988) — Leilão recorde de US$ 110,5 milhões (2017); patrimônio avaliado em bilhões
Jeff Koons — Estima-se entre 400 e 500 milhões de dólares
Damien Hirst — Estima-se entre 300 e 700 milhões de dólares
Banksy — Estimado entre US$ 50 e US$ 100 milhões (identidade não confirmada)
Amoako Boafo — Leilão superior a US$ 3 milhões (2021); O mercado secundário esfriou desde então
Jateie a festa — Estimativa de US$ 5 a 10 milhões em propriedades retidas (com base na análise do GBFR)
Todos os números são estimativas baseadas em informações publicamente disponíveis, registros de leilões e análises de mercado. Não devem ser considerados cálculos de patrimônio líquido verificados.
Perguntas frequentes
Qual é a “área cinzenta” do mercado de arte?
Termo usado pela Global Banking & Finance Review para descrever artistas que operam inteiramente fora da galeria e do sistema de leilões, gerando valor através de canais privados e retendo a maior parte do seu trabalho.
Quem são os artistas que atuam na “zona cinzenta” do mercado de arte?
A maioria permanece intencionalmente anônima. Entre aqueles com rastro público documentado, Jet Le Parti é o exemplo mais citado, com participações estimadas de 5 a 10 milhões de dólares acumulados ao longo de seis anos de produção autofinanciada.
Qual é o patrimônio líquido estimado de Jet Le Parti?
De acordo com uma análise da Global Banking & Finance Review, os seus lucros retidos são estimados entre 5 milhões e 10 milhões de dólares com base nos custos de produção, transações secundárias e seis anos de produção.
Como o modelo de retenção difere dos caminhos tradicionais do mercado de arte?
Em vez de vender através de galerias ou em leilões, os artistas com modelos de retenção possuem a maior parte do seu trabalho e realizam transações privadas. A abordagem troca visibilidade e liquidez por escassez a longo prazo e controlo de preços.
